Zona Aurea

Museo de Bellas Artes

El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de Argentina está ubicado en la Avenida del Libertador 1473 de la Ciudad de Buenos Aires. Ocupa actualmente la antigua Casa de Bombas, edificio perteneciente a los establecimientos Recoleta de Obras Sanitarias de la Nación (1870). La primera sede del MNBA se estableció en las galerías del Bon Marché, de la calle Florida, un edificio construido para albergar la tienda de origen francés y donde actualmente se sitúan las Galerías Pacífico. Eduardo Schiaffino, pintor y crítico de arte, fue su primer director. El MNBA fue acrecentando su acervo gracias a donaciones y compras. Pronto su espacio en el Bon Marché resultó insuficiente. En 1909, la situación se hizo crítica. El patrimonio inicial se había multiplicado por veinte. El Museo se trasladó entonces al Pabellón Argentino, un edificio típico de la arquitectura de hierro y cristal construido para representar a la Argentina en la Exposición Universal de París de 1889, erigido en la Plaza San Martín. Las obras permanecieron allí durante dos décadas, antes de ser instaladas en su sede definitiva de la Avenida del Libertador. El edificio fue reformado por el arquitecto Alejandro Bustillo, quien lo adaptó a las necesidades de un museo. Bustillo conservó el frente original y proyectó un nuevo pórtico. En el interior la remodelación se realizó de acuerdo con un modelo de exhibición moderno, de salas espaciosas, correctamente iluminadas y paredes lisas con el propósito de contribuir a una lectura directa de las obras expuestas. En su transformación, el arquitecto concibió para el MNBA un itinerario espacial ordenado, para que el visitante disfrute de una contemplación atractiva e instructiva. La actual sede se inauguró el 23 de mayo de 1933, con la presencia del Presidente de la Nación, Agustín P. Justo. La Asociación de Amigos había sido creada el 22 de octubre de 1931. Desde su inauguración en la sede actual, el museo fue sometido a varias reformas. En 1961 se le adicionó un Pabellón para exhibir las muestras temporarias. En 1980 se inauguró en el primer piso una sala de 96 metros de largo por 16 de ancho, que actualmente alberga la colección permanente de arte argentino del siglo XX. Con la reciente inauguración de la Sala de Arte Precolombino Andino, concluyó la reforma de la planta dedicada al arte argentino y del continente. En esta planta funciona, además, el Auditorio en el que se realizan numerosas actividades artísticas, de extensión cultural y educativa. En 1984 finalizó la ampliación del segundo piso. Allí se encuentran la dirección, los departamentos técnicos y administrativos y dos terrazas de esculturas al aire libre. También en este piso se destinó, en febrero del 2004, una sala permanente para exhibiciones fotográficas, tanto del patrimonio como temporarias. La Planta Baja, de 2.000 m2, está dedicada principalmente a mostrar las colecciones de arte internacional desde la Edad Media hasta el siglo XX. Una importante biblioteca especializada en arte, cuyo patrimonio actual es de más de 150.000 piezas, completa la planta que se proyecta sobre los parques linderos. En la recepción, una librería artística propone a los visitantes bibliografía actualizada mientras que la boutique de la Asociación Amigos ofrece los catálogos de las exposiciones, reproducciones de obras y souvenirs de diseño. Recientemente se ha incorporado el alquiler de audioguías en castellano e inglés. A través de cómodas unidades de audio digital que los orienta y acompaña, los visitantes pueden recorrer la muestra permanente del museo siguiendo un orden cronológico y estético.

Color azul Klein

Klein comenzó a pintar y desarrolló sus primeras teorías sobre la pintura monocromática en 1946. Después de viajar por Italia y España, viajó a Japón en 1952, donde obtuvo el cinturón negro en judo. En Tokio hizo su primera exposición de pintura monocromática. En 1954 se convirtió en maestro y difusor de una técnica de judo y escribió un manual muy consultado en la época. Del judo, el artista rescata la relación con la filosofía Zen, la unión de mente y cuerpo, la búsqueda por el estado de vacío y la práctica continua de la receptividad ante el mundo, así como la búsqueda de armonía con la naturaleza. Todos estos elementos resultarían centrales en su concepción artística. En 1954, Klein publicó un catálogo –exhibido en la muestra– con un prólogo “mudo” de Claude Pascal, en el que sólo hay renglones vacíos como “explicación” de una larga serie de cuadros monocromáticos. En 1955, Klein se mudó a París y envió un cuadro monocromático naranja al Salón de Réalités Nouvelles, que fue rechazado. Su muestra de 1956 recibió la misma incomprensión. Sin embargo, el crítico Pierre Restany lo defendió de manera apologética, explicando que el objetivo de Klein era “despertar nuevas energías espirituales a través del color puro”. Con Restany como teórico, Klein integró el grupo de los Nuevos Realistas, junto con el mencionado Pascal, más Daniel Spoerri, Arman y Jean Tinguely, entre otros. En su búsqueda de pigmentos puros, en octubre de 1956 descubrió un azul ultramarino, profundo y luminoso que solamente podía fijarse mediante una solución química combustible. La cualidad de esta mezcla resultó efectiva, no sólo por su materialidad y aplicación sino también para la discusión espiritual del infinito, a la manera de los románticos. Luego patentó la fórmula de su color como “IKB”, International Klein Blue, que él aplicaba con rodillos –sin pincel, para que no hubiera huellas del gesto del artista– sobre telas, cuerpos y objetos. En una conferencia que dio en La Sorbona en 1956, explicó que la monocromía en pintura era un intento por despersonalizar y objetivar el color, liberándolo de toda emoción. El color puro, para Klein, funciona como una puerta de entrada hacia lo inmaterial. Como ya lo había hecho Kandinsky, Klein establece su propia teoría del color, adjudicándole determinadas claves, sentidos y propiedades a cada uno: “El azul –decía– está más allá de las dimensiones, cosa que no ocurre con otros colores, que son impresiones prepsicológicas. El rojo, por ejemplo, presupone algo que irradia calor. Todos los colores provocan ideas asociativas específicas, tangibles o materiales en sentido psicológico, mientras que el azul sugiere, a lo sumo, el mar y el cielo, y éstos son, en definitiva, lo más abstracto que hay en la naturaleza visible”. Su obsesión por el azul lo llevó a servir cócteles de color azul profundo y a lanzar mil globos de ese color durante las inauguraciones de sus muestras. Klein también fue músico de jazz y se aventuró a las composiciones aleatorias. En 1947 compuso, en total coherencia con sus postulados monocromos, una Sinfonía monotonal, en la que se oye una sola nota durante diez minutos, sonido que se alterna con un silencio de la misma duración. Poco después logró una gran repercusión con su exposición L’Epoca Blu, en una galería de Milán, seguida de grandes exhibiciones en París, Düsseldorf y Londres. El paso siguiente fue cubrir de azul varios objetos, como esponjas, piedras y ramas. Comenzó a demostrar más interés en la energía espiritual pura y el componente inmaterial de la pintura. Una de las exposiciones más radicales en este sentido fue la muestra parisina “Exposición del vacío”, de 1958, en que vació el espacio de la galería de todos los objetos (salvo una vitrina) y pintó la sala completa de blanco. Klein presentó esa experiencia como un happening artístico en el que el objeto expuesto era intangible e invisible, en sentido estricto, y gracias a ello logró transformar la inmaterialidad en un acontecimiento. Quería complementar aquella muestra junto con la iluminación azul del obelisco de la Place de la Concorde, convirtiéndolo, mediante su IKB, en una obra propia; pero la policía prohibió esta acción. En 1960, con su prédica alrededor del “vacío”, Klein editó un número de un tabloide –Domingo –el diario de un solo día– en el que difundía sus ideas y donde trucó una fotografía en la que se lo ve saltando de una ventana al vacío. Entre sus conceptos de “vacío” y del “período azul”, Klein ideó las “antropometrías”, que consistían en impresiones corporales obtenidas por los movimientos de mujeres desnudas y pintadas con pigmento puro, que se apoyaban o acostaban, como pinceles humanos, sobre grandes telas blancas. La música de fondo de estas acciones era, por supuesto, la Sinfonía monotonal. Para Klein, el cuerpo femenino era la expresión más concentrada de energía vital. Además de las impresiones positivas sobre la tela, el artista realizó impresiones negativas, rociando a las modelos con pintura sobre las telas, de modo que luego quedaba la huella vaciada a través de la pintura aplicada al contorno. Klein produjo una gran cantidad de trabajos a gran escala con este proceso, que registró en películas. Estos documentales increíbles –provocativos y provocadores, pero también muy formales en cuanto a las actitudes, movimientos y contexto–, que buscan ligar tales acciones con ciertos ritos religiosos y con las pinturas de las cavernas, se proyectan en el hall del museo galería, antes de entrar a las salas de exhibición. En su etapa final, el artista utilizó tres colores para sus obras: azul, rosa y oro. A los tres los “descubrió” juntos cuando experimentó con sus pinturas de fuego, en las que utilizaba lanzallamas, asistido por bomberos. A pesar de que la crítica consideró que Klein generaba más interés en sus acciones, actitudes y presentaciones que en sus obras, el repaso por esta retrospectiva permite apreciar el efecto hipnótico de su obra, la naturaleza casi fisiológica de su trabajo sobre la retina, la impresión profunda que causa en el espectador el conjunto de su trabajo exhibido en bloque. Klein también supo enfurecer al mercado del arte cuando realizaba series de cuadros azules idénticos que luego ofrecía a muy diferentes precios, según las cualidades particulares que le atribuyera a cada pintura. Artistas como Klein lograron borrar los límites del arte, y en este sentido su personalidad y aproximación al hecho artístico forman parte de la historia del arte tanto como su obra. Es obvio que Yves Klein formó parte del grupo de artistas que –como Marcel Duchamp, Andy Warhol o Joseph Beuys– expandió el campo artístico más allá del lugar que la academia, la sociedad y el mercado le asignaba.

martes 6 de enero de 2009